Elio Petri est l'un des réalisateurs italiens les plus importants. Sa notoriété à l'international est liée au succès de « À chacun son dû » (1967), mais surtout à « Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon » (Oscar 1971 pour le Meilleur film étranger) et à « La Classe ouvrière va au Paradis » (Palme d'or au Festival de Cannes 1972). Bien qu'on l'ait toujours rattaché presque exclusivement au cinéma engagé sur le plan politique et civique, sa position dans ce domaine - et même dans la culture de gauche de l'époque - a toujours été plutôt inhabituelle. Entre autres, c'est surtout dans la dernière phase de son travail, entre 1973 et 1982, année de sa mort prématurée à 53 ans, que le réalisateur met continuellement en jeu, film après film, sa vision personnelle du monde, plaçant son propre langage en dehors de toute appartenance à des tournures narratives réalistes. Son cinéma reste certes un cinéma politique, mais à un niveau différent, bien plus élevé et dialectique.

Le livre, qui contient deux courts récits du réalisateur, rend compte de l'itinéraire artistique de cet homme fascinant et complexe, athée, communiste, matérialiste, de culture française, sartrien, dans le but de considérer enfin son cinéma pour ce qu'il est réellement, c'est-à-dire une recherche névrotique visant à expérimenter de nouvelles structures narratives, dominée par une pensée hallucinée, un langage violent, coléreux, fébrile comme celui de Céline et, en même temps, anarchique comme celui de Bataille et de Sade, dans une optique grotesque et carnavalesque qui renvoie aussi à Bosch et Rabelais.

Pour célébrer l'un des plus talentueux réalisateurs vivants, il était nécessaire de faire appel à un ensemble de 27 chercheuses et chercheurs : une polyphonie d'esprits libres, psychanalystes, historiens, écrivains et, bien sûr, critiques de cinéma. Conçu pour nous faire revivre le plaisir que nous procure l'ensemble de son oeuvre, ce livre propose une analyse à la fois thématique et film par film des 23 longs-métrages et d'une bonne quinzaine de courts. Ainsi voyageons-nous, sous différents regards, dans le style et dans les univers de Roman Polanski, qui lui assurent une place magistrale dans l'histoire du cinéma mondial. Un vaste encart photographique original, composé par Enrico Giacovelli, présente des dessins et des extraits inédits de storyboard, ainsi que des photogrammes tirés de l'ensemble de ses films.

Certains comme "Le Locataire", "Chinatown", "Tess" mais surtout "Rosemary's Baby" sont devenus littéralement archétypaux. Comme le dit Malgosia Abramowska, son assistante personnelle depuis "Le Pianiste" interviewée ici par Alexandre Vuillaume-Tylski, "Roman Polanski est un chef d'orchestre qui sait jouer de tous les instruments". Apparaît alors l'image d'un homme perfectionniste, plein d'humour et d'attention, à mille lieues de l'image sulfureuse que les médias et certains critiques ont forgée depuis des dizaines d'années. Pour Roman Polanski, ainsi que l'écrit ici Michel Ciment, "le prince du Danemark est définitivement Hamlet. Il a sans doute trouvé dans la culture britannique ce dialogue entre tradition et découvertes qui lui est cher". Un livre hommage qui séduira à la fois les cinéphiles et les étudiants en cinéma.

Michael Cimino a été l'un des noms les plus célèbres du cinéma américain entre les années soixante-dix et quatre-vingts. Mais, à une ascension fulgurante, a succédé une chute tout aussi soudaine, tout cela en l'espace de quelques années, faisant de lui un miraculé, puis un paria. Voyage au bout de l'enfer a attiré l'attention du grand public et celui de l'Academy. qui l'a récompensé avec 5 Oscars, tandis que l'échec commercial de La Porte du paradis a été tellement considérable qu'il a servi à sanctionner symboliquement la fin d'une époque, valant à son auteur un ostracisme inflexible de la part des producteurs et accélérant la fin de sa carrière.

Et pourtant Cimino incarnait une figure d'artiste très particulier, cultivé et visionnaire, perfectionniste jusqu'à la paranoïa, partisan d'un cinéma résultant d'une synthèse extrême entre l'emphase spectaculaire du Hollywood classique et une conception personnelle d'une très grande originalité. Excentrique et têtu. Cimino a failli parce que différent des grands noms de Hollywood : isolé et ambitieux, arrogant parce qu'orgueilleusement convaincu de ses propres capacités, obsessionnel jusqu'à friser la pathologie. Son cinéma, anachronique avec candeur, fait d'amples structures narratives et d'une direction maniaque des acteurs et des figurants, n'a jamais laissé indifférent mais a toujours provoqué d'âpres débats et polémiques, même pendant les quelques années de son grand succès international.

Ce livre, enrichi de nombreuses illustrations et se terminant par une interview du réalisateur, jamais publiée, n'a pas pour objectif de revaloriser l'oeuvre d'un auteur qui aurait pu devenir immortel, mais qui a fini tristement aux oubliettes. Il tente, au contraire, une analyse soignée de son travail pour aller au-delà de l'anecdote et du scandale qui. à partir de La Porte du paradis, ont influencé l'objectivité de nombreux juges sur son cinéma et sur sa vie.

Survenue en 2010, la disparition de Claude Chabrol a permis de jeter un regard rétrospectif sur une carrière particulièrement prolifique. Cet ouvrage a pour particularité de commenter chacun des 57 films de cinéma réalisés par l'auteur du Boucher, sans négliger pour autant sa production télévisuelle, encore largement méconnue. Cette démarche du "film après film" se veut être le reflet de celle de Chabrol lui-même, qui entendait, à l'instar de quelques-uns de ses auteurs de prédilection (Balzac, Simenon), édifier un "mur de briques", façonner une "mosaïque" propres à communiquer une "vision du monde", dont l'auteur du livre a voulu, dans une approche personnelle, montrer la cohérence aussi bien que le caractère foisonnant.

Bien entendu, cette démarche ne néglige pas les approches transversales, à même de faire résonner en écho les films entre eux, en faisant ressortir ici un motif visuel (un "plan signature"), là une préoccupation d'ordre philosophique. À cet égard, les nombreuses illustrations de l'ouvrage, légendées avec précision par l'auteur, rendent encore plus éloquente cette approche à la fois analytique et synthétique. Si la production chabrolienne comprend son lot de titres improbables, voire ultra-mineurs, le livre présente l'originalité de chercher néanmoins à les resituer dans le puzzle d'ensemble. De même, les dernières oeuvres du cinéaste, un peu négligées par la critique française, font elles aussi ici l'objet d'une réévaluation.

Ainsi, par-delà les diverses "périodes" de l'oeuvre de Claude Chabrol (période "Nouvelle Vague", période Génovès/Stéphane Audran...), est-ce un regard que le présent livre s'emploie à faire sentir, un regard assez unique fait de circonspection et de passion pour la nature humaine, d'interventionnisme et de désinvolture. Une fois la mosaïque patiemment reconstituée par l'auteur de l'ouvrage apparaît le portrait d'un artiste qui, à partir du confort apparent de son cinéma, de sa fluidité de plus en plus revendiquée, amène le spectateur à reconsidérer ses certitudes les mieux ancrées. Ce livre s'emploie ainsi à montrer comment Chabrol va jusqu'à questionner la capacité du langage à appréhender le réel, aussi bien que le caractère transparent de la représentation cinématographique. D'où la modernité toute paradoxale de cette oeuvre, que le présent ouvrage entend mettre en lumière.

Tout sur Fellini a pour ambition d'être, en cet anniversaire du centenaire de la naissance de celui qui est le réalisateur italien par excellence, la plus vaste et complète publication sur cet artiste et son cinéma. Il ne s'agit pas seulement d'une œuvre unique en raison de ses dimensions monumentales, mais aussi d'une œuvre très particulière, à la fois une encyclopédie et ouvrage collectif, extrêmement riche d'informations basiques (utiles pour ceux qui connaissent peu ou rien sur ce sujet) mais aussi d'approfondissements critiques (pour ceux qui sont déjà connaisseurs en la matière et qui voudraient la connaître mieux). Pour résumer, c'est à la fois un ouvrage de référence et de simple lecture, accompagné de centaines de photogrammes extraits directement des films du cinéaste et regroupés en fonction de leur thème.

Jouissant d'un énorme succès international, le cinéma de Bernardo Bertolucci est inimitable par de nombreux aspects. De Prima della rivoluzione (1964) à Moi et toi (2012) chaque image de ses films résulte d'un artifice expressif, scénographique, luministique, aucune ne se contente de reproposer la réalité "comme elle est" sans intervenir pour la transformer et la sublimer. Le cinéma de Bertolucci est celui du "tout est possible", de bailleurs et de l'impasse. Un cinéma spectaculaire et complexe qui se met continuellement à l'épreuve, qui regarde la réalité avec concupiscence et étonnement, comme la Terre vue de la Lune.

Du souffle épique de la superproduction au minimalisme du récit quotidien, des canons du roman du XIXe (1900, Le Dernier Empereur) au scandale du sexe le plus transgressif (Le Dernier Tango à Paris) jusqu'à la forme du théâtre de chambre (Innocents:The Dreamers), il y a toujours un lien avec l'histoire du cinéma qui revit dans le présent. C'est dans cette "infinitude", qui lie la vie à l'imaginaire, que réside peut être son secret le plus précieux. Les films de Bertolucci sont toujours contemporains, quand ils parlent du fascisme qui naît et meurt dans la plaine du Pô (1900) ou de la morosité des années de plomb (La Tragédie d'un homme ridicule) ou bien quand ils se déroulent au coeur de la Chine (Le Dernier Empereur), au Népal (Little Buddha), dans le Sahara (Un thé au Sahara), dans une villa du Chiantishire (Beauté volée) ou dans les caves d'un immeuble bourgeois de Rome {Moi et toi), ils instaurent toujours une ligne directe avec le spectateur idéal qui "en rêvant désire encore rêver" et dans cette euphorie onirique prolonge ses désirs, et avec le cinéma, parfois découvre des vérités.

Un an après la disparition d'un grand Maître du cinéma, ce livre propose de voyager en compagnie de ses films, de l'oeuvre de jeunesse Les Recrues (1962) à The Echo Chamber, hélàs inachevé.Tous les films sont accompagnés d'analyses critiques, de brefs commentaires de Bertolucci lui-même et d'une documentation iconographique riche de centaines de photos et photogrammes qui illustrent le texte.

Ce second volume de l'histoire du cinéma comique américain est également consacré au muet, et en particulier à ses années d'or, revenues à la mode grâce au film The Artist.

D'un côté, des dizaines d'acteurs comiques considérés comme mineurs aujourd'hui, mais qui faisaient fureurs à l'époque, font leur apparition : de Ben Turpin à Snub Pollard, de Max Davidson à Charley Bowers, mais aussi des enfants, des chiens, des singes... Et d'un autre côté, des maîtres atteignent la perfection et passent au long-métrage : Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, mais aussi Harry Langdon et Max Linder. Nous rencontrons les premiers héros de dessins animés : les dinosaures et les moustiques de Winsor McCay, les petites filles et les lapins du jeune Walt Disney, le célèbre chat Félix.

Et à la fin des années vingt, apparaissent les deux acteurs comiques qui, aujourd'hui encore, restent les plus populaires et les plus appréciés : Stan Laurel et Oliver Hardy. Comme dans le premier volume (Tartes à la crème et coups de pied aux fesses), ce cinéma et ce monde sont examinés avec une attention critique moderne sur la base d'une vision directe des films, mais ils sont aussi racontés avec passion et ironie : pour offrir au lecteur non seulement un texte d'étude et de consultation, mais aussi une "histoire aventureuse", facile et plaisante à lire.

Je compare la création artistique à la faim... Elle augmente à mesure que ma solitude augmente. Je me suis fait comprendre dans un langage qui vu au-delà des mots qui me trahissaient, au-delà de la musique que je n'ai jamais pu dominer, au-delà de la peinture qui m'a toujours laissé indifférent. J'ai soudain découvert que je pouvais correspondre avec le reste du monde dans un langage venant du fond de l'âme, formant des phrases qui échappaient au contrôle de mon intellect de façon presque sensuelle. J'ai perfectionné mon langage avec la détermination absolue et obstinée d'un enfant et pendant vingt ans, inlassablement, frénétiquement j'ai rempli le monde de rêves, de fantaisies, d'excès intellectuels et d'élans de folie...
Ingmar Bergman

Depuis les premiers films classiques comme Le septième sceau et Les Fraises sauvages, jusqu'au dernier chefs-d'oeuvre, Fanny et Alexandre, Ingmar Bergman a réalisé des films qui ont changé la façon de considérer le cinéma. Bien que s'étant retiré du cinéma, il poursuit cependant son activité de metteur en scène de théâtre et d'écrivain et reste ainsi une référence en matière de littérature et d'art dramatique.

Le présent ouvrage, Ingmar Bergman - Le cinéma, le théâtre, les livres, recueille pour la première fois ce qui a été dit ou écrit par Bergman lui-même et par d'autres grands du cinéma, du théâtre et de la littérature sur le thème "Ingmar Bergman". Au travers des articles ou des essais de Woody Allen, James Baldwin, François Truffaut Coryn James, John Lahr et Jean-Luc Godard, des interviews à Bergman, Liv Ullmann et Bibi Andersson, des contributions de Max von Sydow, Gunnel Lindblom et Eva Dahlbeck, nous apprenons comment Bergman réalisait ses films, comment il travaillait avec ses acteurs, ce qu'il pensait de son public, de sa carrière et sa décision récente de s'éloigner du cinéma pour se consacrer au théâtre et à la littérature. Les films de Bergman, ses textes théâtraux et ses romans prennent un autre relief grâce ci cet ouvrage qui rend justice à l'ampleur et à la durée de la carrière d'un artiste complet.

Réalisateur, mais également acteur, scénariste, producteur et même distributeur, Quentin Tarantino est avant tout un cinéphile omnivore qui a fait de ses obsessions la matrice d'un genre cinématographique à part entière : chacun de ses films est un "film de Tarantino" avant d'être une histoire de gangsters, un pulp movie ou un western. Pour permettre aux lecteurs d'apprécier pleinement toute la complexité et l'originalité de cette icône de la culture de masse contemporaine, Alberto Morsiani offre ici une lecture complète de son cinéma. Chaque film est raconté, analysé individuellement et accompagné de photos emblématiques, puis répertorié dans sa filmographie (qui, outre les réalisations du cinéaste prodige, mentionne ses scénarios, ses interprétations et ses productions). Et pour élargir encore le champ de connaissances de l'univers tarantinien, d'autres contenus accompagnent la rétrospective des films : un dictionnaire rassemble et classe les déclarations du réalisateur sur la vie, son travail et ses convictions, du A de À bout de souffle ("Voilà un film qui comble toutes mes passions") au Z de Zombie, en passant par Cadrage, Gus Van Sant, Inspiration, Martin Scorsese, Musique, Politique, Star, Vols et des dizaines d'autres mots.

Clos par un chapitre révélant toutes les anticipations disponibles sur ses projets en cours, cet ouvrage offre aux lecteurs l'enquête la plus complète et approfondie sur l'oeuvre de Tarantino. Il met en avant le vent de nouveauté constant que Quentin Tarantino insuffle dans le cinéma et la culture dans le monde entier.

Un temps snobée par la critique, la comédie à l'italienne est aujourd'hui considérée par tous comme une époque heureuse et unique. Genre porteur des années d'or du cinéma italien, et bien que révolu depuis 1980, la comédie continue à influencer le cinéma comico-satirique de nos jours. Cet ouvrage se consacre essentiellement à la comédie à l'italienne à proprement parler : celle compte des réalisateurs tels que Mario Monicelli, Dino Risi, Ettore Scola, Luigi Comencini, Pietro Germi ; des metteurs en scène tels que Age et Scarpelli, Benvenuti et De Bernardi ; et des acteurs comme Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Marcello Mastroianni, Catherine Spaak, Monica Vitti et Claudia Cardinale.
Le livre contient 127 fiches monographiques dédiées aux principaux auteurs et acteurs du genre et plus de 400 photographies tirées des films cités. Mais surtout il est écrit, sans compromettre le sérieux de l'approche historique et critique, dans le style de la comédie à l'italienne classique, courageux, anti-conformiste, polémique, amusant, amer. Ainsi, en plus d'être une histoire de la comédie à l'italienne, c'est aussi une petite histoire de l'Italie et des Italiens.